Pas exactement. Le blues et le jazz sont deux genres distincts, mais ils sont intimement liés historiquement et musicalement.

Le blues est antérieur au jazz. Il se développe dans les communautés afro-américaines du sud des États-Unis à la fin du XIXᵉ siècle, à partir notamment des chants de travail, spirituals et traditions musicales africaines. Le jazz apparaît ensuite, au tournant du XXᵉ siècle, particulièrement autour de La Nouvelle-Orléans, en intégrant des éléments du blues mais aussi du ragtime et d’autres traditions musicales.

Musicalement, le blues possède une structure particulièrement reconnaissable : souvent 12 mesures, trois accords principaux (I-IV-V), les fameuses blue notes, et une grande importance accordée à l’expression et à l’improvisation.

Le jazz reprend énormément de ces éléments, mais développe généralement une harmonie plus complexe et une place encore plus importante pour l’improvisation. D’ailleurs, « le blues » peut désigner à la fois un genre musical et une forme musicale utilisée par les jazzmen. Un musicien de jazz peut donc dire : « On joue un blues en fa », sans pour autant jouer du blues au sens de B.B. King ou Muddy Waters. Et les frontières deviennent parfois franchement floues : blues jazz, jazz blues, rhythm and blues, soul jazz, etc.

a. Blues – B.B. King, The Thrill Is Gone

B.B. King
Le blues est centré sur l’émotion et la tension. La guitare semble presque répondre à la voix. Les phrases sont relativement simples, mais chaque note compte. À écouter : les notes légèrement « tirées » de la guitare, les silences et le dialogue voix-guitare.

b. Blues – Muddy Waters, Hoochie Coochie Man

Muddy Waters
Ici, nous sommes davantage dans le Chicago blues, électrique, rugueux et répétitif. La structure harmonique reste assez simple ; c’est le rythme, le timbre et l’interprétation qui donnent toute sa force au morceau.

c. Jazz – Miles Davis, So What

Miles Davis
Changement d’univers. Le morceau sert de terrain à l’improvisation collective et individuelle. Les musiciens dialoguent constamment. Le jazz ne cherche pas seulement à raconter une émotion : il explore aussi les possibilités musicales d’un thème.

d. Jazz – Dave Brubeck Quartet, Take Five

Dave Brubeck
Un excellent morceau pour comprendre que le jazz peut jouer avec les structures. Take Five utilise une mesure inhabituelle en 5/4, au lieu du traditionnel 4/4.
On ressent presque : 1-2-3 / 1-2.

e. Soul – Aretha Franklin, Respect

Aretha Franklin
La soul reprend énormément au gospel et au rhythm & blues. La voix devient centrale.
Par rapport au blues, les arrangements sont généralement plus riches : chœurs, cuivres, section rythmique très présente.

f. Soul – Otis Redding, I’ve Been Loving You Too Long

Otis Redding
Celui-ci montre parfaitement le lien avec le blues. L’harmonie reste accessible, mais l’interprétation vocale devient presque théâtrale.
On pourrait résumer ainsi : le blues exprime la douleur ; la soul la chante à pleine voix. C’est évidemment une simplification, mais elle aide à entendre la filiation.

g. Rhythm & Blues – Ray Charles, What’d I Say

Ray Charles
Ici apparaît quelque chose de fondamental : le groove.
Le rhythm & blues historique mélange blues, gospel, boogie et jazz avec une musique beaucoup plus directement dansante. Ray Charles est justement l’une des grandes passerelles entre ces univers.

h. La passerelle parfaite — Etta James, I’d Rather Go Blind

Etta James
Voilà un morceau où vouloir absolument mettre une étiquette devient presque inutile. On y trouve blues, soul et R&B simultanément.
La progression est simple, mais l’interprétation transforme cette simplicité en quelque chose d’extrêmement expressif.

Une façon simple de les distinguer

Blues → émotion brute + blue notes + structures souvent simples
Jazz → improvisation + interaction + sophistication harmonique/rythmique
Soul → voix + gospel + émotion + arrangements R&B
R&B historique → blues + rythme + groove + danse

Et il existe une filiation assez fascinante :
Blues → Jazz / R&B → Soul → Funk → une partie du rock et de la pop moderne.